Iniziano dal film di De Maria: “Prima linea”. Si tratta senza dubbio del film che più alzerà (lo sta facendo) polemiche. Si parla infatti di terrorismo (Prima linea fu una delle prime formazioni armate durante il periodo del terrorismo degli anni ’70). Il punto di vista è quello interno di Sergio Segio e già questo ha fatto storcere il naso a molti intellettuali e politici che, prima di vedere il film, hanno protestato per la scelta di un punto di vista che si presume giustificherà azioni che hanno portato morte e sofferenza. Così non è, c’è un discreto distacco emotivo dai personaggi nel film di De Maria,  anche se la ricostruzione degli eventi ne salta di alcuni importanti nella storia del movimento. Ne esce comunque un film interessante a cui vale la pena dare un’occhiata, c’è dramma, azione e anche un po’ di sentimento. Per Riccardo Scamarcio si tratta del quarto film sul passato dell’Italia dopo “La meglio gioventù”, “Mio fratello è figlio unico” e “Il grande sogno”:  un giorno si potrà apprezzare forse di più quest’attore ormai maturo e degno di essere considerato molto più che un giovane sex symbol.
Passiamo a Francis Ford Coppola e al suo “Segreti di famiglia”. Assieme al ritorno del regista di “Il Padrino”, che non girava una pellicola dai tempi del discutibile “Un’altra giovinezza” (2007), questo film presentato a Cannes è l’occasione anche per rivedere Vincent Gallo, da tempo lontano dal grande schermo. Una storia intimista su due fratelli, composta soprattutto da dialoghi e girata in bianco e nero: la tecnica è quella impeccabile di Coppola, se è motivo sufficiente per andare al cinema, andate, sennò pensateci un po’, il rischio noia è possibile.
“Valentino: L’ultimo imperatore” rischiava invece di non venire mai distribuito in Italia, nonostante si tratti di un documentario sul famoso stilista nostro connazionale e fosse stato presentato in anteprima al Festival di Venezia di due anni fa. Solo il successo ricevuto in America e la possibile candidatura all’Oscar che tutti danno per certa, ha fatto sì che questo film girato da Matt Tyrnauer, per anni giornalista di Vanity Fair, trovasse una distribuzione italiana (nello specifico, Medusa). La carriera dell’artista, nonché la sua vita privata, vengono raccontati con leggerezza ed epica allo stesso tempo. Se siete dei fashion addicted, o comunque molto curiosi di vedere e capire la vita di uno dei più grandi artisti italiani contemporanei, prenotate il posto al cinema.
“Ce n’è per tutti” di Luciano Melchionna (già autore di “Gas”) è una commedia satirica su una società contemporanea sempre più in disfacimento. Il progetto di suicidio di un ragazzo che si vuole buttare dal Colosseo diventa il pretesto per una serie di flashback e di salvataggi improbabili che non risparmiano nulla riguardo l’egoismo e il cinismo che dominano l’ oggi (a partire dai mass media.) Il soggetto era originalmente una  pièce teatrale. Nel cast c’è Ambra Angiolini e la produzione è di Anna Falchi: echi da anni ’90.
“Poesia che mi guardi” di Marina Spada, terzo film italiano della settimana, è un documentario incentrato sulla figura della poetessa Antonia Pozzi, morta suicida a 26 anni nel 1938. Ad interessarsene è una cineasta che, nello studio dei lavori della Pozzi, cerca di coinvolgere a poco a poco un gruppo di studenti, finendo con il fare della lettura delle poesie, un modo per condividere emozioni. Il film è stato presentato all’ultimo festival di Venezia.
Il film per famiglie della settimana è “Planet 51”, cartone animato spagnolo scritto da Joe Stillman, uno dei papà di Shrek. Alieni che vengono invasi da uomini. Si capovolge la storia di “Et” e di tanti altri film di fantascienza e ci si ritrova con un simpatico film che divertirà sia i più piccoli che i cinefili con la passione per le citazioni. Una bella prova per l’animazione europea.
pubblicatio qui: http://www.film.it/articolo/film-in-uscita-venerdi-20-novembre-la-prima-linea-segreti-di-famiglia-planet-51/10890492/

Due primitivi vengono allontanati dal villaggio e finiscono prima nel mezzo del litigio tra Caino ed Abele, poi nella provocante Sodoma.
Basta una riga per descrivere la storia di "Anno Uno", in assoluto il peggiore film di Harold Ramis. Non ci saremmo mai aspettati che lo sceneggiatore di "Ghostbusters" (di cui interpretava anche il preciso dottore Egon Spengler) nonché regista di "Ricomincio da capo", "Terapia e pallottole" e tante altre belle commedie avrebbe mai preso parte ad un film di così bassa lega. Eppure è così, e la delusione è anche per Jack Black che da tempo si era allontanato dal demenziale per costruirsi una carriera convincente anche come attore a tutto tondo. Ecco invece un film banale e senza uno straccio di idea, ancorato all’idea che la volgarità e l’espediente della ricerca ossessiva di sballo (intesa come donne) basti a far ridere.
Anche volendo soprassedere sull’idea di volere far viaggiare i due protagonisti per varie epoche senza spiegare nulla (e per tanti ignorantoni che forse andranno al cinema, il rischio è che ci credano davvero), toccando leggende e storie con estrema superficialità, "Anno uno" va avanti a strappi, senza una vera struttura narrativa, singhiozzando puzze, pipì, toccate di seno, genitali messi a rischio e così via. "Superfantozzi" al confronto era un capolavoro (ma forse lo è anche senza confronto). Tutti i brutti luoghi comuni delle più insopportabili pellicole stupide americane vengono toccati, lo spazio per il buongusto è pressoché nullo. Non è la demenzialità in sé ad essere fastidiosa: sono tanti gli esempi di pellicole volutamente nonsense che in passato hanno strappato sorrisi ad un pubblico ben conscio del fatto che il racconto fosse inverosimile. Qui però sembra di essere solo davanti ad un’operazione commerciale. Ciò che si percepisce è che c’era una sola idea prima di decidere di realizzare il film: due imbranati, giovani che avrebbero potuto spendere le proprie giornate non facendo nulla in un college, che però vivono duemila anni fa. Tutto il resto è riempitivo: nessun discorso sull’amicizia, nessuna volontà di deridere con intelligenza un po’ le credenze del passato. Tutto viene buttato in un calderone di cui si sarebbe fatto volentieri a meno. Dati i nomi che vi hanno preso parte, tutto questo è un vero peccato.

La frase:
- "Ci vediamo stasera?"
- "No, non credo, devo lavarmi i capelli"
- "Ma te li sei lavati già un anno fa!"
pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/announo.htm

Finalmente “Public Enemies” e non solo. I nuovi titoli della settimana regalano anche un insolito Clooney, un film cult tedesco, Jack Black e un paio di interessanti italiani.Se amate il cinema con la C maiuscola, questo è il weekend che attendavate da anni e cioè quello dell’uscita di “Nemico pubblico”. No, non parliamo del comunque buon film con Vincent Cassel uscito in primavera, ma dell’ultima pellicola di Michael Mann, uno dei più grandi registi viventi. Il papà di “Manhunter”, “Collateral” e “Miami Vice” porta sul grande schermo la storia romanzata del famoso criminale degli anni ’30 John Dillinger. A dargli il volto è Johnny Depp e suo rivale, nei panni del detective, è Christian Bale. Come già in Miami Vice, Michael Mann non cerca l’epica o il grande personaggio che piace ed emoziona a gente. Le sue storie sono un pretesto per costruire scene d’azione di tensione eccezionale, vere e proprie opere d’arte per quanto riguarda geometria, dinamismo, costruzione scenica. Fa tutto in digitale, sporca la pellicola come se ci fossimo proprio noi lì sulla scena con in mano una handycam con cui normalmente registriamo i nostri compleanni. Ne esce un film eccezionale, imperdibile per chi al cinema ama guardare, ancor più che la storia, comunque interessante, la regia.

Altro film da vedere, ma per altri motivi, è  “L’uomo che fissa le capre”. Una commedia intrisa di comicità nonsense che, per certi versi, ricorda quella dei Coen e del loro “Il grande Lebowski”. Protagonista è Ewan McGregor, un giornalista senza spina dorsale che dopo una delusione amorosa decide di partire per l’Iraq e da lì fare il corrispondente. Sulla sua strada incontra un personaggio tanto eccentrico quanto convincente (un bravissimo George Clooney) che gli rivela di fare parte di una speciale squadra di militari richiamata dal governo per la guerra in medio oriente dopo anni di congedo.  Ne segue un’avventura strampalata, allegra e al contempo malinconica, tratta da un libro di successo a sua volta scritto partendo dalla storia vera capitata all’autore (Jon Ronson).

“Anno uno” con Jack Black e Michael Cera è invece semplicemente il peggiore film che Harold Ramis abbia mai realizzato. Lo sceneggiatore di “Ghostbusters” (in cui interpretava anche Egon) e “Molto incinta”, regista di “Ricomincio daccapo”, “Terapie e pallottole” e tante altre belle commedie si è prestato ad un’operazione puramente commerciale giustamente bastonata dal box office americano. Passo indietro anche per Jack Black dopo tante belle prove da attore maturo.  Peccato, ma con un film basato tutto su puzze e allusioni sessuali non si può pensare di andare lontano. Anche se l’ambientazione storica dice che tutto questo capita in un fantomatico anno uno.

Dall’ultimo festival di Roma arrivano invece le due pellicole italiane della settimana: “Marpiccolo” di Alessandro Di Robilant e “Alza la testa” di Alessandro Angelini.
Il primo è una storia di un ragazzo ai margini, piccolo delinquente in una periferia di Taranto degradata, che cerca di riscattarsi dopo un’accusa d’omicidio. Un film originale, ma che non ha convinto fino in fondo.
“Alza la testa” invece racconta il sofferto rapporto di un papà (Sergio Castellitto) con il proprio figlio (non diciamo di più per non rovinarvi il film). Purtroppo dopo una prima parte  intensa e davvero bella, Angelini si perde nei meandri di una storia vista e rivista. Una vera e propria occasione mancata.

“Berlin Calling” è il film caso tedesco dell’anno. E’ in programmazione in un cinema di Berlino da Ottobre 2008 e continua ad avere pubblico. Protagonista è Ickarus, un dj tedesco che gira l’Europa portando in giro il proprio sound. Droga, solitudine, eccessi. Si tratta di una storia vera, autobiografica, ma comunque romanzata, interpretata dal dj Paul Kalkbrenner.

“Popieluszko - Non si può uccidere la speranza” cerca di riportare un po’ di luce su una delle figure più importanti della Polonia degli anni ’80, Jerzy Popieluszko, un prete che ebbe il coraggio di schierarsi contro il regime dell’epoca, mettersi accanto al movimento Solidarnosc e raccontare le bugie e gli intrallazzi del governo fin quando non fu ucciso dai servizi segreti. In molti se lo dimenticano, ma più di un briciolo di quel muro di Berlino caduto vent’anni fa, di cui ricorre in questi giorni l’anniversario, è merito anche suo.

pubblicata qui: http://www.film.it/articolo/film-in-uscita-venerdi-6-novembre-nemico-pubblico-l-uomo-che-fissa-le-capre-anno-uno-alza-la-testa/10592477/

Luca Lucini è senza dubbio il regista italiano di "nuova generazione" (per quanto abbia già 42 anni) più interessante degli ultimi anni, escludendo il cinema d’autore di Sorrentino e Garrone. Da "L’uomo perfetto" a "Amore, bugie e calcetto" fino ad arrivare alla bella commedia drammatica "Solo un padre", i suoi lavori hanno il merito di allontanarsi sempre da regie e montaggi "televisivi" dirigendosi verso un tipo di cinema più europeo per ritmi e gestione dei personaggi. Persino il suo esordio con "Tre metri sopra il cielo", al di là della sceneggiatura, dimostrava la sua capacità di sapere confezionare bene un prodotto rifuggendo da presuntuosi manierismi d’autore, ma non per questo accontentandosi di qualsiasi sequenza o costruzione scenica, pretendo, studiando e lavorando attentamente con gli attori.
Con "Oggi sposi" Lucini abbraccia senza dubbio un tipo di commedia più popolare e meno sofisticata rispetto ai suoi ultimi lavori e, seppur il palato dei più esigenti potrà trovare questo film un piccolo passo indietro, si tratta al contrario di un ottimo esempio di come sia possibile fare buon cinema per tutti senza ricorrere a gag e personaggi riciclati o alla parolaccia. Se fosse questo il "cinepanettone" annuale affermeremmo "ben venga il cinepanettone".
Non è un caso che dietro tutto questo ci sia la penna di uno dei più arguti sceneggiatori italiani, quel Fabio Bonifacci già autore dei piacevoli "Lezioni di cioccolato", "Si può fare" e, soprattutto, "Diverso da chi?". Accanto a lui, nonché ideatori del soggetto sono Fausto Brizzi e Marco Martani, premiata ditta registi-sceneggiatori di "Notte prima degli esami" e "Cemento armato". La loro comicità forse più casareccia, ma comunque funzionale, trova con l’apporto di Bonifacci uno spessore e una fluidità in altre occasioni lamentategli (si pensi, per diverse ragioni, tanto ad "Ex" quanto ai film di Natale con De Sica a cui Brizzi e Martani spesso collaborano come sceneggiatori). Simpatica, ma non demenziale è la parodia del rapporto Stefano Ricucci–Anna Falchi (lui un imprenditore sull’orlo della bancarotta che finirà in carcere, lei una bellissima ragazza a cui il matrimonio dà anche un po’ di popolarità), ben utilizzato è l’espediente comico del confronto di culture pugliese-indiana, così come sono tante le battute che non fanno stare male dal ridere, ma strappano comunque sempre almeno il sorriso. Ci sono sbavature qua e là, ma sono all’interno di un progetto comunque efficace.
Ci siamo soffermati molto su regista e sceneggiatori perché grazie a loro (e al lavoro della casa di produzione Cattleya) si può finalmente intravedere un po’ di buon cinema commerciale in Italia, fatto e scritto con cura. La scelta degli attori segue lo stesso criterio di qualità: Luca Argentero, dopo "Solo un padre" ritrova Lucini e, incredibile ma vero, risulta credibile e simpatico con il suo accento pugliese. Dario Bandiera è un talento comico poco sfruttato purtroppo (in "Italians" con Verdone è straordinario) e fanno la loro parte con bravura (chi più, come Filippo Nigro, chi meno) anche tutti gli altri sei protagonisti della vicenda (che tratta dei preparativi di matrimonio di quattro coppie trentenni).
Bravi sono tutti gli interpreti poi dei personaggi di contorno.
Michele Placido (finalmente sopra le righe come ce lo siamo spesso immaginato fuori dal set), Renato Pozzetto, Lunetta Savino, Hassani Shapi e tutti gli altri hanno la battuta e il volto giusti per trasmettere comicità ed empatia con la storia. In definitiva, ben vengano film come "Oggi sposi": si può fare di meglio, ma si tratta di un buon punto di partenza.

La frase: "Questo matrimonio s’ha da fare e si farà, punto"

pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/oggisposi.htm

Tempi di crisi, tempi di licenziamenti. Non si è arrivati certo all’ insensibilità con cui re Kuzco licenzia la cattiva consigliera del trono Yzma nell’esilarante "Le follie dell’imperatore" (Come posso spiegartelo? Ti sollevo dall'incarico, sei stata dimissionata, rientri nella riduzione del personale, divergenza di intenti, conflitto d'interessi, scegli la tua versione, ne ho altre... Abbiamo tutti il nostro Canto del Cigno! Il tuo è finito da almeno mezzo secolo... Capito, bellezza? Hop, hop, hop!), ma poco ci manca. Il nostro capo non ha il coraggio di dire direttamente che si è stati licenziati e così assume una società specializzata in questo tipo di comunicazioni. Ryan Bingham (George Clooney) è uno di quegli uomini mandati apposta dall’altra parte del Paese con questo incarico: addolcire la pillola e far sì che l’impresa cliente possa finalmente alleggerire la voce "personale". Lui ha calma, intelligenza, cultura e cinismo per raggiungere con i minori danni possibili lo scopo.
Peccato però che quell’approccio che lo rende il primo della classe nel suo lavoro, sia lo stesso con cui ha avvolto la propria vita.
Casa sua è l’aereo e l’accumulare miglia sulla propria carta fedeltà il primo obiettivo di un’esistenza spoglia di persone e sentimenti che non siano legati all’attimo.
Tre su tre. Jason Reitman ("Thank you for smoking" e "Juno") non sbaglia un colpo e forse qui raggiunge quel che per ora può essere considerato l’apice della sua ancor giovane carriera. Il suo è un cinema di sceneggiatura, di personaggi pragmatici e non idealisti, gente che aggira gli ostacoli del pensiero dominante perché in quegli ostacoli vede solo luoghi comuni. Questa impostazione crea un espediente comico infallibile: ogni battuta può essere esautorata dal suo contesto per diventare piccola "grande" verità della vita di tutti i giorni. Quella che si può definire l’imprescindibile "redenzione" finale (come in ogni storia che si rispetti, l’obiettivo della sceneggiatura è quello di raccontare il cambiamento di una persona), non è mai banale, non sposa completamente la tranquillità della morale imperante, ma ne mostra giusto un assaggio per farci capire che forse il giusto equilibrio sta nel mezzo. Non c’è catarsi, non si vanifica tutto quanto si è detto prima con un epilogo consolatorio, ma si continua, seppur con meno intensità, a destabilizzare lo spettatore. Film parallelo a "Tra le nuvole" è in questo senso "Thak you for smoking": personaggi simili, situazioni familiari analoghe e stesso tipo di lavoro: cercare di far passare per positivo qualcosa che non lo è. Lì il fumo, qui il licenziamento.
Ci si diverte e ci si commuove, si fa riflettere. Basterebbe questo per definire "Tra le nuvole" un film bellissimo. Ma c’è qualcosa di più. Attraverso la storia di un uomo, si racconta, più di qualsiasi documentario o film di denuncia, il momento storico che stiamo vivendo. Si vedrà questa pellicola anche fra 30 anni per capire questi nostri ultimi due anni. "Tra le nuvole" fa tutto questo senza straziare lo spettatore con la lacrima, ma non per questo, non cerca di parlargli direttamente. Quando vediamo la carrellata di visi e voci disperate che hanno appena saputo che dovranno trovarsi un altro modo per pagare mutuo e bollette, Reitman ci mette su tutti e due i lati della scrivania. L’inquadratura in soggettiva ci suggerisce che siamo noi i "cacciatori di testa", ma il fatto di trovare dall’altra parte dei volti comuni, proprio come i nostri, trasmette anche quell’empatia che ci fa vivere il dramma anche in prima persona. E’ vero che non ci sono (o meglio, sono nascosti) grandi tecnicismi nelle scelte registiche di Reitman, ma la sua capacità di fotografare facce e momenti, di dare ritmo a qualsiasi situazione, dimostra una capacità e un amore per il racconto che è un piacere potergli stare dietro." Come sempre sono perfette le scelte degli attori. George Clooney è la perfetta faccia da schiaffi per un ruolo del genere, sembra che gli sia quasi stato cucito addosso (e invece il film è tratto dall’omonimo libro di Walter Kirn). Vera Farmiga si dimostra, a ragione, una delle attrici americane più affascinanti e credibili a prescindere dal ruolo ora in circolazione. La giovanissima Anna Kendrick (lanciata da "Twilight") ben incarna la parte della giovane e ambiziosa rampante dal cuore però tenerissimo. Ma non sono solo gli attori principali ad avere meriti. Tutti gli interpreti di contorno (tanti sono dei veri e propri fedelissimi di Reitman), danno il loro contributo e il fatto che ci siano tanti camei famosi nella pellicola dimostra quanto il regista in questione sia apprezzato e stimato nell’ambiente. "Tra le nuvole" non è il classico film che in molti potrebbero definire "carino" o "molto carino", ma un lavoro scritto e recitato benissimo, profondo nei suoi temi, attaccato alla realtà quanto grandissimo intrattenimento adatto a tutti. Non lo si può sminuire perché fa ridere, quasi che provocare risate mentre si racconta una storia che ci appartiene possa essere una colpa. Far ridere il proprio interlocutore è spesso il maggiore obiettivo che il cinema, ma anche noi stessi, possiamo porci ogni giorno.

La frase: "Quanto pesa la tua vita? Immagina solo per un secondo di dovere riempire uno zaino….".

pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/tralenuvole.htm

Ragazzi, se vi va oggi (Sabato 10 ottobre) alle 15 e in replica sempre oggi alle 22, domani (domenica) alle 18 e mercoledì a mezzanotte,
sono ospite (con altri 4 "critici") su Coming Soon television della trasmissione I cinepatici.
Si parla di Star System, io come al solito sparerò stronzate.... Per vedere Coming soon o avete Sky, o Mediaset premium, o anche Internet: tutto si vede in contemporanea in streaming qui: http://www.comingsoon.it/

Non viene distribuito nei giorni esatti del suo quarantesimo anniversario (dal 15 al 18 agosto 1969), ma è comunque per celebrarne la ricorrenza che arriva finalmente sui nostri schermi “Motel Woodstock”, nuovo film di Ang Lee, già presentato al Festival di Cannes. Nella recensione di Film.it, il nostro Adriano Ercolani non ne parla benissimo, “da Ang Lee è lecito aspettarsi tutt’altro livello di cinema”, ma si tratta comunque di una commedia simpatica e piena di aneddoti. Vi si racconta la storia di Elliot, artefice (per caso) di quello che sarebbe diventato il concerto più ricordato di sempre, non solo per chi si esibì, ma per ciò che significò. Colori, musica, fiori e libertà di vario tipo, aspetteranno al cinema chi gli vorrà concedere una chance.
In partenza c’era curiosità per il remake di “Fame”, film culto del 1980 firmato Alan Parker, ora rifatto in chiave moderna. Peccato però che a visione avvenuta qualsiasi tipo di aspettativa positiva si sia scontrata con la dura realtà. Dialoghi al limite dell’involontario comico ed esibizioni da videoclip sono l’amalgama di un prodotto ormai superato, per concetti, da tanti talent show televisivi. Alla “New York City's High School of Performing Arts” arrivano stavolta ragazzi che non impareranno nulla né dagli insegnanti, né dalla vita. Valeva la pena farci un film?
Per spezzare il trend di introduzioni non proprio entusiasmaste fin qui sui film in uscita questa settimana , passiamo a quello che, a nostro avviso, è stato il migliore film italiano del Festival di Venezia. Parliamo di “La doppia ora”, giallo scritto, diretto e recitato in maniera più che discreta. Una pellicola di genere che ha tanti punti in comune con quel “La ragazza del lago”, sorpresa al botteghino un paio d’anno fa. Filippo Timi e Ksenia Rappoport vivono l’inizio di un amore finché un evento imprevisto (non vi diciamo quale) non sconvolge i loro equilibri.  Possibile che sia tutto casuale?
Altro film da festival è “Ricky” firmato da François Ozon. Presentato all’ultima Berlinale, si tratta di una di quelle pellicole che divide a metà: o si ama o si detesta. La bravura e il tecnicismo di Ozon non si discute, si tratta di un regista originale e spesso coraggioso nelle scelte, a destare qualche dubbio è in questo caso il tono che assume la storia raccontata. Si parte dal dramma e si finisce con il fantastico. Di certo non annoia, né segue canovacci già esplorati. Può essere uno di quei film che si ricorda a distanza di tempo così come uno per il quale si tenta il rimborso del biglietto. Dipende, ancor più qui che in altri casi, dalla sensibilità dello spettatore.
Per finire, citiamo nello stesso paragrafo sia “Barbarossa” di Renzo Martinelli che “Le mie grosse grasse vacanze greche” di Donald Petrie. Lo facciamo perché hanno un minimo comune multiplo: sono brutti.
Il primo è un’apologia leghista sull’eroe Alberto da Giussano, qui ridotto purtroppo a pretesto per enfatizzare tutta la simbologia di Bossi & company in centoquaranta infiniti minuti. Chi vedrà il film non potrà dimenticarsi di un nome: Siniscalco Barozzi. E’ un nuovo personaggio cult del nostro cinema: dicono che nominarlo alla fine di ogni frase porti bene.
“Le mie grosse grasse vacanze greche” è invece la peggiore piega che, a distanza di anni, poteva prendere il successo di “Il mio grosso grasso matrimonio greco”. Non si tratta di un sequel, ma poteva esserlo (ancora una volta in produzione c’è lo zampino di Tom Hanks e sua moglie). Abbiamo la stessa attrice protagonista, Nia Vardalos,  che stavolta però si trova in Grecia. Fa la guida turistica ed è scocciata tanto dai turisti quanto dagli usi e costumi del Paese dei suoi genitori (lei in realtà è un’americana rientrata in patria per ragioni di lavoro). L’amore risolleverà tutto, a scapito però del buongusto.
Battute tristi e spesso volgari per una favoletta a tratti irritante. Fosse stato un film italiano, avremmo parlato di “Natale ad Atene”.
pubblicato qui: http://www.film.it/articolo/i-film-in-uscita-venerdi-9-ottobre-2009-motel-woodstock-fame-la-doppia-ora/9941041

E’ dagli anni di Mister Wolf e "Pulp fiction" che al cinema non emergeva un personaggio cult come quello che ci regala Renzo Martinelli con Siniscalco Barozzi. Nobile milanese ricordato nella storia per avere tradito i suoi concittadini aiutando l’invasore Federico Barbarossa a distruggere il capoluogo lombardo nel 1162, questo personaggio è il vero punto di forza dell’eponima pellicola "Barbarossa". E’ lui il chiavistello di quell’autoironia con cui Martinelli alleggerisce i suoi centoquaranta minuti sulla composizione della Lega lombarda da parte dell’eroe Alberto da Giussano, ovvero quando vari comuni, fino ad allora indipendenti e spesso in conflitto spesso tra loro, si unirono per respingere il Sacro Romano impero germanico. Legnano 29 Maggio 1176. Quel giorno anche Siniscalco Barozzi morì, almeno secondo il film.
Partiamo da un personaggio minore per parlare di "Barbarossa" perché sono i dettagli a rendere questo film incredibile. Come in molti sapranno si tratta di un film voluto fortemente dalla Lega Nord (da Bossi in particolare), che ha fatto dell’evento storico qui trattato il punto di partenza per tutta la propria iconografia. Il carroccio, il giuramento di Pontida, Alberto da Giussano (la cui statua a Legnano è raffigurata nel simbolo del partito) e così via sono riferimenti che nascono tutti da questo episodio. Parlarne senza legarlo esplicitamente, in qualche modo, all’oggi era inevitabile visto che il film, costato 30 milioni di dollari, è stato coprodotto dalla Rai e ha avuto il contributo del Ministero per i beni e le attività culturali (e se non incasserà, cosa dirà stavolta Brunetta?). Ecco quindi che nell’epica, si inserisce la politica.
Abbiamo il classico "Roma ladrona" (buttato lì all’interno della frase: "Barbarossa... un oppressore tiranno, ridotto a simbolo di Roma ladrona"), "Libertà contro l’invasore e le tasse" e tante altre piccole frasi di apologia sul popolo lombardo, o di rabbia con chi se ne approfitta. L’impianto è quello di un film a tesi, fatto più per vedere su pellicola l’esaltazione di persone e fatti che per scavare dietro di essi, costruire un universo di significati e significanti che vadano al di là della semplice superficie, di ciò che è facilmente subito assimilabile da tutti. Chi ci vuol vedere la gloria e la forza li troverà, chi invece cercherà un’interpretazione di un momento cardine della storia d’Italia, si dovrà accontentare invece una storia romanzata e inverosimile in cui una donna ha visioni da Cassandra, le spade riflettono il fuoco e un castello bombardato notte e giorno, la mattina dopo è di nuovo completamente intatto.
Martinelli non è uno sprovveduto, sa gestire le scene di massa e riesce, talvolta a costruire sequenze quantomeno interessanti, ma il montaggio, e soprattutto la sceneggiatura e i suoi dialoghi, sono completamente sotto il livello di guardia. Al Siniscalco Barozzi di cui parlavamo nella premessa, viene continuamente ripetuto nome e cognome come in una parodia di Maccio Capatonda. Nel sorprendente finale, quando si scopre chi si nasconde dietro l’armatura di un soldato, quel "hanno bruciato un’altra", appare così assurdo da suscitare risate, così come il discorso introduttivo di Alberto prima di convincere la sua donna a farsi sposare. E vogliamo parlare di quel grido "Libertà!" di braveheartiana momoria? Tanti scivoloni che alla fine rendono "Barbarossa" un film di bassa, lega.

La frase: "Sire, Milano è la porta della Sicilia".
pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/barbarossa.htm

Ci vorrebbe il giudice Santi Licheri, o chi per lui, per deliberare sulle presunte colpe del film “Fame - Saranno famosi”, diretto da Alan Parker nel 1980 e incentrato sulla storia di un gruppo di allievi della “New York City's High School of Performing Arts”. Sicuramente è da lì che nacque uno dei serial televisivi più seguiti (e interessanti) degli anni ’80 (l’omonimo “Saranno famosi” trasmesso dall’ ‘82 all’87), ma è sua responsabilità anche il nostro italico reality/talent show “Amici di Maria De Filippi” (che, non a caso, prima di perdere una causa sul copyright, si chiamava proprio “Saranno Famosi”?). Insomma, non parliamo di un reato penale, è per questo che ci rivolgiamo a “Forum”. Nell’attesa del giudizio, con la speranza che il reato non sia caduto in prescrizione, ecco che ci arriva il remake. Tutto americano stavolta.
Le vite di ragazzi che sperano di fare della propria passione un talento con il quale sopravvivere e farsi strada nel mondo dello spettacolo è ormai il leitmotiv di tutta la nostra (occidentale) televisione. Siamo abituati ad apprezzare le qualità artistiche tanto quanto dovere scoprire (a forza di chiacchiericcio insopportabile) cosa si nasconda dietro. Gli amori, la famiglia, le aspirazioni, tutto viene messo in mostra, diventando esso stesso materia di fiction. Quante volte non pensiamo che ci siano autori dietro i racconti tormentati di tanti “volti nuovi”?
Tutta questa premessa per dire che un film come questo nuovo “Fame - Saranno famosi” parte già svantaggiato agli occhi dello spettatore. Non ha la durata per potere raccontare con profondità il privato di un aspirante famoso, oltretutto perché obbligato (da copione) ad essere un film corale (meglio il più focalizzato “Step Up” a questo punto!). Il risultato della formula “centosei minuti diviso tanti personaggi meno cinque canzoni da almeno quattro minuti che sono obbligatorie” è uguale a poco spazio per tutti. Ecco che i personaggi hanno quindi pochissimo spazio a disposizione per caratterizzarsi, costretti a frasi involontariamente comiche per necessità di sintesi. Dalla ragazza che per lasciare il fidanzatino afferma che: “I miei amici dicono che quando la scuola finisce ci si lascia. Quindi ti lascio”, al ragazzo nero senza padre a cui il maestro di recitazione suggerisce che “La rabbia che è in te è la tua forza” e tante altre. Pensate che ci sia un recupero con le sequenze delle varie esibizioni? Vi sbagliate. E non perché non si balli, canti o reciti bene (anche se su questo aspetto nutriamo qualche dubbio su cui sorvoliamo per via del doppiaggio che in qualche modo “maschera”), ma perché tutto è girato come se fosse un videoclip, senza nessuna volontà di rendere verosimili le varie perfomance.
Alan Parker nel suo film dell’80 inquadrava spesso il pubblico, lasciava che l’idea dello show dal vivo (e quindi i respiri, la stanchezza, l’emozione) potesse in qualche modo trasparire. I tempi sono cambiati, siamo ormai abituati ad un altro tipo di linguaggio cinematografico/televisivo, ma non per questo si deve sottovalutare l’importanza di rendere credibile ciò che si vede. Si va al cinema per vedere un film, non il nuovo video di Ricky Martin, per quello c’è MTV. Questa considerazione nella regia di Kevin Tancharoen non c’è, tutto è pretesto per enfatizzare colore e musica, mai la fatica che c’è dietro, ma solo il luccichio del montaggio finale, quello migliore. Nota a margine: possibile che nei quattro anni di scuola questi ragazzi non imparino nulla e rimangano bravi né più né meno di quando erano entrati? 
pubblicata qui: http://www.film.it/articolo/le-recensioni-di-filmit-fame-saranno-famosi/9911620

Non è semplicemente il film della settimana, per molti è il film dell’anno, forse anche del biennio. Sono pochi i registi capaci di portare il grande pubblico in sala solamente grazie al proprio nome: Quentin Tarantino con “Le iene” e “Pulp Fiction” ha cambiato il cinema contemporaneo, da allora è un idolo per tantissimi cinefili e non. Il già tanto chiacchierato “Bastardi senza gloria” presentato già a Cannes lo scorso maggio, segna forse un punto di rottura del cineasta con il proprio passato. Non che lo stile di Tarantino sia mai stato statico o ripetitivo, ma stavolta siamo di fronte ad un’opera più riflessiva, meno densa di elementi pulp, ma non per questo fuori dalle regole e ricca di una tensione più di sguardi che di spari di pistola e katane. Anche se poi si dovesse dire: “non mi è piaciuto”, è impossibile non correre al cinema per vedere un’opera che per trama (un gruppo di militari ebrei che tagliano lo scalpo ai nazisti mentre una ragazza progetta un attentato a Hitler in un cinema parigino) e per stile (Tarantino è sempre unico) risulta imperdibile. E poi Brad Pitt che imita l’accento italiano è straordinariamente comico (e per questo vi consigliamo la visione del film in lingua originale con sottotitoli).
Passiamo al resto. Il titolo italiano del romanzo era rimasto fedele all’originale, l’avevano semplicemente tradotto: “La moglie dell’uomo che viaggiava nel tempo” (di Audrey Niffenegger). Anche la trasposizione su grande schermo, nella versione americana, aveva mantenuto lo stesso nome, ma per il mercato italiano sarebbe stato troppo semplice. E così, memori del malcostume di ficcare, a turno, le parole amore-cuore-passione-matrimonio in qualsiasi locandina romantica sicuri che ciò garantisca più incassi, abbiamo tradotto il tutto in “Un amore all’improvviso”. Tanta verbosa  premessa per creare un minimo di interesse in un film che ci ha piuttosto deluso. Eric Bana e Rachel McAdams saranno anche bravini (sicuramente più lei di lui), ma la storia di un uomo che senza volerlo viaggia nel tempo ritrovandosi sempre nei posti dove ha amato o amerà la sua donna, non sembra comunicare molto più di quanto già non faccia dopo cinque minuti. Il libro aveva un’altra impostazione ed era altra cosa.
Kate Beckinsale è senza dubbio una delle donne più belle di Hollywood e per alcuni tanto basta per essere quantomeno curiosi verso qualsiasi suo nuovo film, ma “Whiteout - Incubo bianco”  non ha entusiasmato nessuno. La storia è tratta da una graphic novel (titolo omonimo). Serial killer in Antartide. Tanta luce, tanto buio, tanto freddo. Apprezziamo il coraggio e la forza di volontà della troupe che ha partecipato alla lavorazione del film, anche se non dovesse essere un successo, i panorami visti ne saranno valsa la pena.
Proprio lo scorso ottobre, al Festival di Roma, se chiedevi un consiglio a chi i film della manifestazione li aveva visti tutti o quasi, la risposta era sempre la stesa. “Vai a vedere L’artista”. A distanza di un anno viene finalmente distribuito questo film argentino (e anche un po’ italiano) rivelatosi la vera chicca della passata manifestazione. Cosa succederebbe se uno che non sa disegnare si prendesse i meriti di un vero artista che, purtroppo, soffre di demenza senile? Ecco un film tanto satirico quanto compassato e riflessivo, opera prima di un duo di cineasti Mariano Cohn e Gastón Dupra che non ha paura a ironizzare sui discutibili canoni estetici del ricco mondo dell’arte.
Chiudiamo con i cartoni animati. “Biancaneve e la vendetta degli 007 nani” e “Trilli e il tesoro perduto” si rivolgono entrambi al pubblico dei più piccini. Il primo cerca di cavalcare quella sorta di parodia delle favole lanciata con successo dai vari “Shrek”, ma mal ripetuta da tanti altri, il secondo è una storia più classica con protagonista la fatina di Peter Pan e la voce di Antonella Clerici. Chissà che il cinema non rilanci la stella della presentatrice a cui hanno da poco cassato il proseguo di una trasmissione televisiva. Pensiamo di no. Ci penserà il festival di Sanremo? Pensiamo ancora di no. Povera Antonella.

pubblicato qui: http://www.film.it/articolo/le-uscite-del-week-end-bastardi-senza-gloria-whiteout-lartista-un-amore-allimprovviso-biancaneve-e-gli-007-nani/9761020

E’ il gran giorno di “Baarìa”. Ha aperto il Festival di Venezia, non poteva che aprire la nostra rubrica. 25 milioni di euro investiti sulla capacità di Giuseppe Tornatore di raccontare la Sicilia del novecento partendo dalla storia del suo paese, Bagheria (Baarìa ne è il nome fenicio). Tre generazioni di uomini che nascono, crescono e vivono in una cittadina a poco a poco sempre più piccola rispetto le loro ambizioni. Famiglia, politica, amore. Tre argomenti cardine che Ennio Morricone enfatizza con una colonna sonora forse un po’ troppo invadente, ma di sicuro impatto. Lo ammettiamo: “Baarìa” non ci ha entusiasmato, ma ha tanti aspetti che potranno conquistare il grande pubblico italiano, soprattutto chi, quel sud pieno di tradizioni e dinamiche sociali ormai non più replicabili in un’epoca di social network e mondo globale, lo ha vissuto.
Al fantascientifico “District 9” il secondo posto della nostra scaletta. Il film è prodotto da Peter Jackson, ma scritto e diretto dal sudafricano Neill Blomkamp che proprio nella sua Johannesburg ha voluto ambientare questa affascinante storia di alieni ghettizzati una volta giunti sulla Terra. Una trama particolarissima che inizia come finto documentario per poi trasformarsi in un avvincente action-movie. E’ una delle pellicole più attese della stagione e, poiché l’abbiamo vista, ve la possiamo consigliare. Merita davvero.
Un altro film carino, molto più di quanto si sarebbe detto guardando il titolo, la locandina e la presenza nel cast della ex High school musical Vanessa Hudgens, è “Bandslam – High School Band”. Ritmato, ben caratterizzato nei personaggi, non troppo scontato nello sviluppo di una trama che ricorda un pochino anche il mitico “The Commitments”. La visione si è rivelata una piacevole sorpresa. Ci tocca purtroppo bocciare il secondo episodio cinematografico della trilogia Millennium. “La ragazza che giocava con il fuoco” è, a differenza del precedente “Uomini che odiano le donne”, un thriller scialbo e confuso, girato proprio come un giallo televisivo da sabato sera Raidue. Chi avrà letto il libro sarà curioso, ma per gli altri vale la pena soprassedere.
I porcellini d’india di “G-Force: Superspie in missione” sono invece il richiamo per chi va al cinema con la famiglia (figli o genitori che si sia). In alcune sale lo proiettano in 3D. Qualche sorriso, ma anche tanta banalità. Forse il 3D è l’aspetto più interessante della visione.
Chiudiamo con due documentari: “Il silenzio prima della musica” fu presentato quasi un anno fa al Festival di Roma. Storia vera di un musicista americano colpito da un gravissimo aneurisma celebrale che, grazie alla musica, riesce a sopportare ciò che purtroppo è arrivato dopo. Un film visionario ed emozionante come poche volte capita di vedere, che cerca di diventare strappalacrime. Tre storie d’amore non convenzionali, tagliate sul punto di vista femminile, sono al centro di “Eva e Adamo”. La regia è di quel Vittorio Moroni già autore di tanti documentari e dell’interessante “Tu devi essere lupo”. 

pubblicata qui: http://www.film.it/articolo/le-uscite-della-settimana-baaria-district-9-g-force-la-ragazza-che-giocava-con-il-fuoco-e-bandslam-high-school-band/9616632

Woody Allen ritorna nella sua New York dopo quattro film (e i prossimi due saranno ancora in Europa) e sceglie come protagonista Larry David, un suo amico, oltretutto già presente con due camei in "Radio days" e nell’episodio "Edipo relitto" del corale "New York stories". Forse dieci anni fa questo ruolo lo avrebbe interpretato lui: un intellettuale di origini ebree, vittima di attacchi di panico, sarcastico e irresistibilmente attraente per le donne. Anche per una ragazzina ignorante conosciuta per caso e che diventa, nonostante la gran differenza d’età, sua moglie.
Che ad Allen piaccia parlare con il proprio pubblico è cosa nota. I suoi monologhi rivolti allo spettatore sono diventati celebri, una vera e propria nota autoriale. Con "Basta che funzioni" questo approccio diventa più sfacciato, e non solo nel modo (si parla direttamente di "pubblico dall’altra parte"). Stavolta ad Allen piace anche indagare (per quanto lui ogni volta dichiara che le storie che racconta non abbiano nulla a che fare con la sua vita sentimentale) su un tipo di relazione amorosa che lui conosce bene: quella tra un uomo ormai più che adulto e una ragazza meno che trentenne (come non pensare a lui e sua moglie Soon-Yi?). Anche se sembra che il film fu scritto una prima volta verso la fine degli anni ’70, sarebbe stupido dire che non ci siano cenni biografici.
Così come era accaduto fortemente in "Vicky Cristina Barcelona" con il personaggio di Scarlett Johansson stimolata artisticamente dai talenti della coppia Bardem-Cruz (ma anche "Anything else" conteneva, in piccolo, questo concetto), anche stavolta al centro del racconto vi è il percorso formativo di una ragazza. O meglio, di un’intera famiglia, scopriremo poi. Stare vicino a menti colte fa bene, fa crescere così come vivere nella Grande Mela. Allen non ci va giù con le mezze misure. Per quanto con sarcasmo, quel modo di intendere la vita di provincia e la piccola mentalità come delle note di merito così come qualsiasi idea di un’esistenza di un dio vengono fatti a brandelli dalle battute al vetriolo dei vari personaggi. Ricorre la concezione della transitorietà dei rapporti, l’amore è vero, ma non per questo infinito, così come, seppure senza enfasi, emerge quell’aria di casa (amata) che Woody Allen fa trasparire quando gira a New York. Su tutto però ritorna quella capacità del cineasta di far ridere parlando di qualsiasi cosa. In America "Basta che funzioni" non è stato amato. Bah. Per una volta, da italiani, possiamo andare fieri del fatto di essere uno dei suoi pubblici più affezionati: ameremo senz’altro anche questa sua nuova opera.

La frase: "L’universo si esaurisce. Perché noi non dovremmo?".

pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/whateverworks.htm

Steven Soderbergh è un cineasta ambizioso, uno di quelli che fa di tutto per poter realizzare qualsiasi progetto abbia in mente. Seppure sia sempre riconoscibile il suo stile, la sua filmografia si potrebbe definire incoerente, costellata tanto di alti che di bassi. E così il cineasta americano, per realizzare pellicole d’autore (che significa bassi incassi), ha bisogno ogni tanto di dedicarsi anche a roba più mainstream, adatta al grande pubblico. “Full Frontal”, “Bubble”, “Intrigo a Berlino” e il doppio film su Che Guevara , probabilmente non sarebbero stati prodotti se Soderbergh non avesse acquisito il credito commerciale raggiunto con “Out of Sight” e i tre "Ocean’s".   Di questi due filoni, “The Informant!” appartiene al secondo gruppo. E’ già, solo per questo, un film minore? No. Non c’è nulla di male nel realizzare pellicole per il pubblico, anzi forse è proprio quando prende le cose alla leggera che Soderbergh è una garanzia di cinema gradevole, ma stavolta la ciambella non è uscita con il buco. Purtroppo.
Storia vera: nei primi anni ’90 un importante manager di una grande multinazionale decide di denunciare all’FBI i propri datori di lavoro. La sua società ha messo su un cartello dei prezzi assieme a che dovrebbero essere concorrenti e che invece sono diventati quindi dei veri e propri partner. Lui non riesce più a resistere all’illegalità e per questo comincia a parlare. Le conseguenze della sua collaborazione con le forze dell’ordine saranno però più che imprevedibili. Il protagonista della vicenda è infatti tanto un eroe, quanto un uomo malato di egocentrismo. Dire bugie, nascondere informazioni e contraddirsi, è la sua specialità. E così quella che poteva essere una straordinaria operazione di polizia comincia a zoppicare fino a ritorcerglisi contro.
Prima premessa: non siamo dalle parti di “Insider”, nonostante il thrilling insito nella trama, l’approccio è quello della commedia. Seconda premessa: non sempre le storie che sembrano divertenti, sono poi divertenti. Probabilmente nessuno lo ha detto a Soderbergh quando ha deciso di portare questa storia sul grande schermo. Non si ride, al massimo si sorride ogni tanto, assistendo all’intera vicenda. L’uso dell’ironica voce fuori campo, l’utilizzo della musica come accompagnamento dissacratorio, lo svuotamento continuo di qualsiasi tipo di suspense non bastano a dare ritmo ad un canovaccio fermo e inconcludente. Non c’è introspezione nel personaggio, né dramma né comico coinvolgimento nei suoi vari deliri. Quello del protagonista bugiardo, o sospetto tale, comincia ad essere un espediente piuttosto ricorrente negli ultimi anni di Hollywood. Anche “Confessioni di una mente pericolosa” e “L’inventore di favole” erano basati su storie vere. “The Informant!” dei tre è il più debole. E questo è tutto dire. Spiace giusto per il bravo e autoironico (come sempre) Matt Damon che per l’occasione è sensibilmente ingrassato. Purtroppo non basta

pubblicata qui: http://www.film.it/articolo/the-informant-recensione/9243306

"Chi rapinerebbe un treno della metropolitana? Bisognerebbe essere pazzi considerando che si tratta di un sistema chiuso". E’ questa la considerazione che, dal 1973 in poi, ha tenuto con il fiato sospeso i tanti lettori del romanzo "La presa di Pelham 1 2 3", scritto da Morgan Freedgood sotto lo pseudonimo di John Godey. Un libro ricco di suspanse che ha già avuto due trasposizioni in fiction: una cinematografica nel 1974, una televisiva nel 1998.
Con questa nuova versione siamo quindi, come già involontariamente il titolo suggerisce, a 3 (in realtà il titolo indica l’orario e il luogo di passaggio di un treno della metropolitana newyorkese: Pelham Bay Park dell’una e ventitre). Dietro il progetto c’è Tony Scott, per la quarta volta regista di un film con Denzel Wahsington dopo "Allarme rosso", "Man on fire" e "Déjà-vu". Stavolta il secondo attore afroamericano premiato con l’Oscar come miglior attore protagonista (dopo Sidney Poitier) non è un poliziotto, ma un "semplice" impiegato comunale. Gestisce e coordina lo smistamento della metropolitana. E’ lui a mettersi in contatto con il conducente di un treno quando questo appare inspiegabilmente fermo sui binari. A rispondergli però, c’è il capo di una banda criminale che ha preso in ostaggio i passeggeri e che si aspetta di essere pagato dieci milioni di dollari per lasciarli andare...
Messo da parte lo humour del film con Walter Matthau del ‘74, Tony Scott cerca come al solito di confezionare una pellicola ricca di adrenalina: montaggio frenetico, musica ad alto volume come un energico videoclip rock e azione a go-go. Il suo è un modo di intendere il cinema d’azione che spinge sempre il piede sull’acceleratore: le sovrimpressioni con l’orario per ricordare l’esaurirsi del conto alla rovescia, i movimenti della macchina da presa, improvvisi e a schiaffo, che sgranano sui volti dei criminali, le interpretazioni sempre urlate dell’antagonista di turno (in questo caso un John Travolta ancora non stravolto dalla tragedia privata della morte del figlio). Nonostante la tecnologia, il budget senza limiti, e un po’ di sangue in più, quello di Scott continua a sembrare un cinema stantio, figlio di action-movie anni ’90 ormai superati: gli atteggiamenti dei personaggi non sono credibili, i malfattori sono normalmente psicopatici e il buono di turno, a piedi, riesce ad arrivare sempre prima del resto della polizia per avere il suo bel faccia a faccia conclusivo con il cattivo. Si percepisce la volontà di richiamare nella trama le colpe degli speculatori di Wall Street, artefici della crisi economica internazionale, ma il tutto si traduce in dettagli malamente esplorati, quasi che non si sia in grado di dire di più che non: "sono sempre stati dei brutti tipi, ma anche lo stato ha le sue colpe". Ne esce un film di intrattenimento che si guarda senza problemi, senza però entusiasmare, che si rischia di dimenticare subito sulla via del ritorno. Sia che si apra lo sportello della macchina che salendo sul primo gradino dell’autobus o oltrepassando le porte d’entrata della metropolitana, il piacere della visione dura un attimo. 3,2,1, finito.

La frase: "Gli ostaggi sono un’assicurazione".

pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/thetakingofpelham123.htm

Il successo avuto in sala nell’estate del 2007 da "Lupin III. Il ritorno di Cagliostro", film del 1979 di Hayao Miyazaki, ha lasciato intendere che certi film, anche se datati, non perdono mai di attrazione. La firma del Walt Disney giapponese è garanzia di un buon botteghino, ed è probabilmente da questa considerazione che la casa distributrice Lucky red ha deciso di acquistare i diritti italiani di molti film dello Studio Ghibli. Si tratta di pellicole che in molti casi non sono state neanche mai riversate in dvd o vhs, storie conosciute in tutto il mondo che gli appassionati italiani hanno potuto vedere solo in lingua originale con sottotitoli realizzati da community virtuali. E’ all’interno di questa cornice che si inserisce l’arrivo in sala di "Il mio vicino Totoro", realizzato nel 1988 e da molti ritenuto come uno dei migliori lavori di Miyazaki (lo stesso Studio Ghibli ha come simbolo Totoro).
Anni ’50. Due bambine cambiano di casa assieme al padre per stare più vicine alla madre ricoverata da tempo in un ospedale della zona.
Nel bosco attiguo all’abitazione la più piccola delle due, Mei (che esteticamente assomiglia tanto alla Ponyo dell’eponimo, più recente, film di Myazaki) incontra una strana creatura, il Totoro del titolo.
Questa sorta di grande coniglio con i denti da roditore diventa per le due sorelle compagno di avventure e, soprattutto, un grande aiuto quando la situazione sembra volgere al peggio.
L’universo di Miyazaki è un grande zoo composto da creature magnifiche e fantastiche, una sorta di libro disegnato dalle forme e colori fuori dall’immaginario. Totoro rappresenta sia il simbolico re del bosco che quel Dio pronto ad aiutare le due bambine nel momento del bisogno. Mondo animale e umano coincidono quando l’occhio è puro come quello di un fanciullo. Sono tanti i riferimenti, più o meno espliciti, all’iconografia e alla cultura nipponica, come sempre accade per Miyazaki. Anche qui il cineasta non può fare a meno di quel dolce e continuo ottimismo che caratterizza ogni sua pellicola. Manca una e vera e propria frattura narrativa, un episodio o un personaggio in grado di cambiare lo status quo degli eventi. Per buona parte del film non si capisce bene in quale direzione stia andando il racconto: Miyazaki è più concentrato sulla costruzione del suo mondo e sulla rappresentazione del rapporto tra essere umano e natura che sulla storia in senso stretto. Totoro diventa così un film composto da tanti piccoli gioielli visivi, forse più poesia che racconto.

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Storia vera. La notte del 5 agosto del 1939, quando la guerra civile spagnola ormai aveva trovato, da circa cinque mesi, il proprio epilogo dittatoriale in Franco, quarantotto uomini e tredici donne furono giustiziati per essere stati, anche solo marginalmente, coinvolti nella resistenza repubblicana. Quelle tredici donne, o meglio, ragazze, visto che l’età media era di circa diciannove anni, sono le protagoniste di "13 rose". Il loro impegno civile, affrontato con quell’entusiasmo giovanile che non ha freni quando si accosta a questioni che sembrano indiscutibilmente giuste, i primi amori, gli errori, la sottovalutazione di un nemico che non ha nessuno scrupolo fino al tragico epilogo, sono al centro di questa pellicola ispirata all’omonimo romanzo (non pubblicato in Italia) dello spagnolo Carlos Fonseca.
La tragedia in questione, per quanto nota, fu a lungo sottaciuta alle masse per non urtare quei non pochi filo franchisti, o comunque non strenui oppositori della tirannia che fu, quando la Spagna cominciò ad affacciarsi verso l’esterno nei primi anni ’80. Pare che quando Fonseca ha scritto il libro nel ’95, molti suoi connazionali hanno polemizzato sui contenuti e sull’opportunità di ricordare una pagina così nera della storia nazionale in un momento di ritrovata unità e sviluppo. Facciamo questa premessa perché se c’è una ragione di visione di "13 rose" è la sua capacità di divulgazione di una vicenda che merita di essere conosciuta.
Come spesso capita per gli sceneggiati televisivi delle reti generaliste italiane, si crede che una forte storia vera del passato, meglio se imperniata di eroismo e martirio, sia ragione sufficiente ad essere al centro di un film o di un prodotto visivo in generale. Nella scrittura della sceneggiatura sembra che si parta sempre dal potente evento finale, l’ingiusta morte di innocenti che si erano battuti per ideali e concetti di libertà che oggi crediamo impossibili da negare, per ricostruire poi a ritroso le vite dei suoi protagonisti. Sicuri di avere un crescendo conclusivo, la sceneggiatura si preoccupa così di narrare, ricorrendo spesso agli stereotipi di più facile lettura (in questo caso abbiamo, tra gli altri, il pestaggio dei vecchi che non cantano l’inno e i bambini che giocano e scimmiottano i militari) per avvicinare gradualmente lo spettatore verso quella conclusione che sicuramente lo sdegnerà.
I dialoghi sono quello che sono, con qualche deviazione fortemente filo cristiana mal inserita nel contesto e che fa nascere il dubbio che, tra i molti innocenti giustiziati, si considerino un po’ più "innocenti" quelli che hanno sempre pregato e creduto ("c’è un errore"). Ecco un esempio di dialogo, la conclusiva, strappalacrime lettera di una mamma al bambino che non rivedrà più: "Non serbare rancore verso gli assassini dei tuoi genitori. Gli uomini buoni non serbano rancore. Dovrai fare come me, dovrai essere sempre ben preparato. Figlio, figlio mio, ti guarderò dal cielo. Riceverai, dopo un’infinità di baci, il bacio eterno di tua madre".
Poche idee di regia, invasione costante della colonna sonora, scarso impegno nella ricostruzione di un significato che vada al di là del "Ecco, vedete cosa sono stati capaci di fare i nostri nonni? Non dimentichiamocelo". Una morale che, purtroppo, non ha necessità di veder ricamati sopra centoventi minuti di racconto per farla arrivare come un pugno nello stomaco.
Nelle sue non alte ambizioni, "13 rose" riesce comunque a raggiungere una fluidità di racconto che, prendendo come termine di riferimento i già citati prodotti televisivi italiani, non tutti posseggono. La buona gestione dei tempi dedicati ai vari personaggi riesce a non far perdere mai di vista la coralità del racconto (anche se qualche personaggio, come il militare fidanzato che offre cibo e frutta non si capisce dove vada a finire) e in certi frangenti, come la carrellata delle varie gonne delle condannate, si vede la volontà di comunicare qualcosa in più della semplice parola.
In definitiva "13 rose" può essere catalogato sia come un film piuttosto superficiale e appiattito sul proprio progetto che come un utile strumento per riportare alla luce un evento importante della storia di tutti noi. Dipende tutto da che cosa si sta cercando.

La frase: "Che il mio nome non sia cancellato dalla storia!".

pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/le13rose.htm

Cibo e cultura. A Berlino inaugura ad agosto il museo del Currywurst, la tipica salsiccia cittadina, simbolo e non solo, di un'identità da riaffermare.
Lo chiamiamo "Fast food", all'americana, eppure l'idea del pasto veloce leggenda vuole che nacque il 4 settembre 1949 a Berlino, all'angolo tra Kant-Straße and Kaiser-Friedrich-Straße dove una trentaseienne alla ricerca di una nuovo business, Herta Heuwer, allestì il proprio banchetto di Currywurst. Il primo cibo venduto con l'idea di non perdere tempo non fu infatti, come si è soliti pensare, il più internazionale hamburger (anch'esso comunque inventato in Germania, ad Amburgo da cui peraltro deriva il nome), ma la tradizionale salsiccia ricoperta di salsa di curry, normalmente accompagnata da pane e ketchup (e qui sfatiamo un'altra leggenda. Il ketchup non è nato negli States, ma ha origini orientali).
Il 16 agosto, l'inaugurazione del "Deutsches Currywurst Museum " in Schützenstraße 70, a due passi da quel Check point Charlie che ogni giorno attira migliaia di turisti curiosi di rivedere il famoso punto di accesso est-ovest dell'allora divisa capitale, celebrerà quello che ad oggi è considerato il piatto tipico della cucina berlinese. In un'area che, tra spazio d'esposizione, negozio di souvenir e lounge copre circa 1100 metri quadrati, una serie di installazioni interattive, video, documenti audio, pannelli informativi e fotografie varie esploreranno la storia del curry wurstel, i suoi ingredienti e il concetto stesso che si cela dietro questo sapore così speziato e caratteristico.
In una delle città dal mangiare più cosmopolita d'Europa (sono più i ristoranti etnici che quelli nazionali e dai prezzi spesso più convenienti), dove il kebab turco è la pietanza più consumata, l'esigenza di mostrare, e dimostrare, le proprie radici culinarie assume significati che vanno al di là dei semplici gusti a tavola. Non bastano quindi le continue code, a qualsiasi ora del giorno, presso alcuni chioschi di curry wurstel ormai diventati storici, come il "Konnopkes Imbiss" (appena sotto la fermata metro sopraelevata di Eberswalder strasse) o il "Curry 36" (su Meringhdamm, nel quartiere Kreuzberg), per ricordare ai tanti nuovi venuti (circa un terzo degli attuali cittadini non abitava a Berlino vent'anni fa, prima della caduta del muro) che la capitale ha una sua tradizione anche in cucina.
Ecco un museo colorato, dalla posizione centrale e che aspetta, impaziente un'apertura che è stata rimandata più volte (la guida della "Lonely planet" lo dava operativo già dalla fine del 2007) per motivi logistici e di finanziamento, e che finalmente potrà aprire i battenti a tutti quei golosi che amano scoprire (con un biglietto che varierà tra i 7 e gli 11 euro) anche cosa si nasconde dietro l'immediatezza della gioia di un palato.

pubblicata qui: http://www.viaggi24.ilsole24ore.com/articoli/la-rinascita-del-currywurst-a-berlino.A8208040.php

Smart travelling: significa viaggiare intelligentemente, ma anche alla moda e leggero. Un modo di dire che è diventato da qualche anno una vera e propria filosofia per chi si appresta a partire con la voglia di conoscere la propria meta un po’ più profondamente di quanto faccia il turista di massa.

E’ partendo da questo concetto che nel 2001, su intuizione della designer  Nicola Bramigk, è nata l’idea di realizzare una guida online che potesse indirizzare nel modo giusto chiunque si apprestasse a partire. Il portale, non casualmente, si chiamò “smart travelling” e al motto di “con noi scoprirai posti che vorrai visitare ancora e ancora come dei vecchi amici”, cominciò con l’offrire percorsi originali e inusuali per ben undici città (ora diventate ventitré). Da allora, pagando una quota annuale di iscrizione è possibile pianificare (in inglese e tedesco) il proprio tour a seconda dei desideri: voglia di glamour o di autenticità locale? Single, coppia, amici o famiglia? Il successo fu immediato e dopo poco più di un anno dall’apertura del sito fu inaugurato il primo store del marchio.

A Berlino, in uno degli splendidi cortili della zona degli Hackesche Höfe, ha così sede uno dei più particolari negozi che si possano trovare al mondo. Vi si vendono guide, mappe, valige, articoli da viaggio, film, agende, libri e abbigliamento vario. Più che gli oggetti in esposizione però, è la presentazione degli stessi che colpisce. Lo spazio espositivo è infatti suddiviso a seconda della destinazione. Ecco quindi l’area dedicata a Firenze consta di una valigia di cuoio contenente un cappello di paglia, una cartina della città,  il dvd di “Camera con vista”, una bottiglia di chianti, una d’olio extravergine e un leggero vestitino a fiori di lino.

Monaco di Baviera? Moleskine con mappa della città, una guida ai locali più trendy e una ai ristoranti, il malinconico libro “Memorie di una donna inutile” di Lena Christ, un boccale di birra e calde pantofole. E così via: New York, Roma, Singapore, Sydney, Tel Aviv, tante metropoli e continenti. Nutrita e ricca di curiosità la parte dedicata agli accessori: dal cuscino da viaggio aereo, al marsupio antiscippo, passando per borse richiudibili in un palmo della mano, minicosmetici, leggere, ma calde coperte di Linus e spazzolini allungabili.

Con l’allargamento delle tratte aeree ormai viaggiare pesanti non è solo un costo in termini economici, ma anche di tempo. Per chi ha solo un weekend per conoscere un luogo, vale la pena spendere minuti preziosi attendendo un bagaglio? Il costante aumento di visitatori del vademecum del viaggiare leggero presente sul sito Onebag (www.onebag.com) suggerisce che sono sempre più persone a chiederlo.
pubblicata qui: http://www.stile.it/articolo/smart-travelling-weekend-facili-e-leggeri/8385631

Sono solo tre le nuove uscite settimanali: “Immagina che”, “12 Round” e "Killshot". Due film americani costruiti sui rispettivi protagonisti e un thriller noir tratto da Elmore Leonard. Da una parte un cavallo di razza della comicità che, seppur abbia perso il tocco magico, continua a sfornare ogni tanto qualche buon film (l’ultimo, “Piacere Dave” non era affatto male), dall’altra abbiamo il secondo film con un wrestler improvvisato attore che pare sappia fare tutto (lotta, musica e cinema). E, tra i due, ecco il “wrestler che ha  sfiorato l’Oscar”: Mickey Rourke, protagonista di “Killshot”. Riusciranno a cambiare le sorti dei sempre più magri incassi complessivi dei cinema di fine luglio?
“Immagina che” (Universal Pictures) è la classica commedia per famiglie con cui Eddie Murphy riesce, a colpi di buoni sentimenti e trasudanti affetti padri-figlie, a portare al cinema almeno tre persone (due se i genitori sono separati). Lui è un finanziere senza tempo per la figlia, almeno finché la fantasia della piccola non cambierà le carte in tavola e sconvolgerà le priorità del papà tutto lavoro. E’ uno dei primi film in cui il protagonista è vittima della crisi economica attuale e lavora nel mondo della finanza. Ne è uscito un prodotto fluido e onesto che non disattende le attese, anche se non fa ridere a come i vecchi Murphy riuscivano a fare.
“12 Round” (20th Century Fox) è senza dubbio un film costruito sulla carismatica figura di John Cena (uno che dovunque va, porta pubblico), ma ha alle spalle anche un “signor” regista: il finlandese Renny Harlin. Potreste dire: “chi?” e non avreste  tutti i torti, ma Harlin è uno di quei signori mestieranti di Hollywood che porta sempre a casa la pagnotta quando si tratta di film d’azione. “Die Hard 2”, “Cliffhanger”, “Driven”: nulla di eccezionale, ma più che passabili e con qualche soluzione registica piuttosto interessante. Ha firmato anche l'abbastanza detestabile “The Covenant”, ma probabilmente era ubriaco all’epoca e un errore glielo concediamo. In “12 Rounds” mixa linguaggio da videogioco e videoclip riuscendo a realizzare una pellicola senza una propria trama (in pratica è la stessa di “Die Hard 3”), ma comunque scorrevole e a suo modo avvincente. John Cena corre, picchia e esclama battute ad effetto. Tutto da copione, come un match di wrestling.
Infine “Killshot” (01 Distribution), noir diretto da John Madden (“Shakespeare in Love”) in cui Rourke interpreta Armand "Blackbird" Degas, killer professionista a cui capita una giornata storta. Nel corso del suo ultimo incarico si lascia scappare due testimoni: Carmen e Wayne Colson (Diane Lane e Thomas Jane). Qualche tempo dopo marito e moglie sono entrati a far parte del programma federale di protezioni testimoni... ma il passato continua a dar loro la caccia. Armand si farà miglia e miglia per rintracciarli. Sarà accompagnato dal fedele Richie Nix (il giovane Joseph Gordon-Levitt), apprendista killer con un solo problema: essere totalmente psicopatico! Il film risale al 2008, ma quando si tratta di Elmore Leonard e del redivivo Mickey Rourke, allora un tot di qualità è certamente garantito.

pubblicata qui: http://www.film.it/articoli/2009/07/31/le-uscite-della-settimana-cinema-al-contagocce.8408469.php

Il wrestling dà popolarità e il suo pubblico spesso è anche un affezionato spettatore di film d’azione. E’ questa la ragione per cui capita che i suoi protagonisti passino dal ring al grande schermo. Fu il caso di Dwayne Johnson (alias The Rock) qualche tempo fa (iniziò tutto con "Il re scorpione" 2002), è quello di John Cena da un paio di anni a questa parte. "12 Rounds" è il secondo lungometraggio per il lottatore (e rapper, altro campo in cui si sta cimentando con successo) del Massachussets dopo il banalotto "Presa mortale" (2006).
Anche stavolta il film è logicamente incentrato sulla sua carismatica figura. La storia diventa quindi giusto un pretesto per mettere il protagonista nel maggiore numero di situazioni possibili in cui si abbia modo di correre, picchiare e mostrare il sudore.
Dopotutto già il titolo rimanda ai vari intervalli di lotta di un incontro (tanto di boxe quanto di wrestling), i "round" per l’appunto. Qui le dodici riprese sono le altrettante prove da superare per il detective Baxter per potere riprendersi la fidanzata rapita da un pazzo criminale.
Insomma, siamo proprio dalle parti del saccheggio di sceneggiatura (chi non si ricorderà di Bruce Willis e del suo terzo "Die Hard" guardando questo film?), ma come detto, poco importa della storia.
Anche perché le scene d’azione non sono affatto male, merito di uno dei migliori mestieranti di Hollywood, Renny Harlin. Il regista finlandese, che non a caso aveva diretto il secondo capitolo di Die Hard, mischia bene digitale, scene da videogioco e videoclip, riuscendo a dare il giusto taglio ad un prodotto rivolto esclusivamente a teenager tutta consolle e sport da figurine. John Cena fa la sua parte (ma quanto assomiglia a Mark Wahlberg?), faccia da duro (ma dal cuore romantico), false botte (anche se l’ultimo "The wrestler" con Mickey Rourke ci ha dimostrato l’ambiguità di questo luogo comune) e ciniche battute che chiudono ogni discorso come una mortality a Mortal kombat.

La frase:
- "Cosa fa male?"
- "Tutto"
pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/twelverounds.htm

Dopo aver lanciato (o meglio, ri-lanciato dopo gli anni di appannamento post "Fusi di testa") la stella cinematografica di Mike Myers, inventando e scrivendo assieme a lui i vari Austin Powers, lo sceneggiatore Michael McCullers tenta la medesima operazione con un’altra stella del Saturday Night Live, Tina Fey.
La Fey è senza dubbio una delle menti più brillanti, originali e ironiche del mondo dello spettacolo statunitense. A lei dobbiamo la splendida serie televisiva "30 Rock" (di cui è autrice e interprete), così come la sceneggiatura di un film piuttosto sottovalutato, ma nient’affatto banale e acuto nel suo ritratto sociologico del mondo dei teenager di oggi, come "Mean girls". La sua capacità di far ridere, ma al contempo riflettere, è presente anche in "Baby mama", commedia che segna l’esordio del già citato McCullers dietro la macchina da presa.
Lo spunto è più che mai attuale. Una donna in carriera vuole avere un figlio, ma non ha né un compagno né un utero che gli permetta, con buone possibilità di riuscita, l’inseminazione artificiale. Ecco quindi che l’idea di adottare un bambino diventa l’unica soluzione.
Nello specifico, lei vorrebbe che l’adozione avvenisse ancor prima che il piccolo nasca: ci sono donne che rimangono incinta senza volerlo e sono pronte a donare il proprio figlio scegliendo già dalla gravidanza i suoi futuri genitori (in questo caso uno solo).
Ci sono vere e proprie società di intermediazione che mettono in contatto "domanda" e "offerta". La giovane ragazza toccata in dote alla nostra protagonista è una sorta di sbandata che gliene farà passare di tutti i colori, salvo poi redimersi.
Il tema, come detto, è quanto mai all’ordine del giorno, basti pensare al chiacchierato utero in affitto di Sarah Jessica Parker.
Se "Juno" prendeva il punto di vista di chi aspetta di donare il bambino, qui abbiamo chi aspetta di ricevere. Gli interrogativi che si sollevano sulla legittimità di queste operazioni (si arriva al paradosso di donne che rimangono incinta appositamente per guadagnare) ne fanno logicamente una problematica dai tanti risvolti etici. "Baby mama" si limita a presentarceli senza affrontarli davvero (lo dimostra il finale che, virando sulla favola, evita di prendere una posizione), ma mantenendo un tono più che mai gradevole e leggero per tutta la sua durata. Merito di attrici (oltre alla Fey, la brava Amy Poehler e una ritrovata Sigourney Weaver) e attori (il sempre in gamba Greg Kinnear) che inducono sempre al sorriso e di battute mai volgari, ma comunque ficcanti. Proprio Sigorutney Weaver può essere il collante di un altro tipo di considerazioni: come il cinema riflette il cambiamento del movimento femminista. Se nell’88 Melanie Griffith era una donna che cercava di farsi largo come un uomo in un mondo dominato dal maschilismo (parliamo di "Una donna in carriera" dove la Weaver interpretava l’antagonista della Griffith) ora il problema di una quasi quarantenne è diventato avere un figlio e una famiglia. I tempi cambiano.

La frase:
- "Ti rivoglio indietro. Non faccio sesso da due settimane!"
- "Ma io sono stata via da un mese!"
pubblicata qui: http://filmup.leonardo.it/babymama.htm

Sono solamente due le “nuove” pellicole pronte a sfidare, senza grandi speranze, il temporaneo monopolio degli incassi di “Harry Potter e il principe mezzosangue”. E si tratta di due  film a stelle e strisce: “Baby Mama” e “Jonas Brothers: The 3D Concert Experience”.

Dopo il caso di Sarah Jessica Parker e di suo marito Matthew Broderick che per le loro due gemelline hanno preferito affittare l’utero di una mamma a noleggio, anziché rovinare le forme del pancino della ex regina di “Sex and the city”, quello di “Baby mama” può essere definito un tema più che mai attuale. Anche qui, seppur per ragioni mediche (la protagonista non sembra possa avere bambini), una donna in carriera (single) si affida ad un’agenzia specializzata per trovare qualcuno che possa portare avanti la gravidanza di un pargolo concepito con i suoi ovuli per inseminazione artificiale.
Star del film è Tina Fey, mai abbastanza apprezzata autrice e attrice comica statunitense (suoi la serie “30 rock” e la sceneggiatura di un film intelligente, ma sottovalutato come “Mean girls”) che qui tenta finalmente in maniera convinta la strada del cinema. Purtroppo per lei il film non è memorabile: si segue bene senza noia, diverte in alcuni frangenti, ma escluso il pubblico femminile più sensibile all’argomento, è difficile che lascerà tracce dietro di sé.
Lo si può definire film? Parliamo di “Jonas Brothers: The 3D concert experience”, prodotto per fan dei tre fratelli star di Disney Channel che ha come punto di interesse l’essere stato realizzato tridimensionalmente. Chitarre, voce e bei faccini. Basterà per sentirsi come ad un concerto?
Questo weekend era già stata annunciata l’uscita nei cinema di Fighting di Dito Montiel, già regista del magnifico “Guida per riconoscere i tuoi santi”. Questa sua seconda opera, interpretata da Channing Tatum e Terrence Howard, andrà direttamente in home video, distribuita dalla Universal Pictures.

pubblicata qui: http://film.it/articoli/2009/07/24/le-uscite-del-week-end-24-luglio.8253129.php